arindodocine

Jules y Jim. François Truffaut. 1961.

2010-12-08T10:00:00.000-08:00

La escena que siempre recordaré de esta película es la siguiente:

Jim, después de haber estado viviendo un tiempo con Jules y Catherine en la casa de campo, haberse enamorado de Catherine y todo eso; vuelve a París con su amada Gilbert y se reencuentra con sus amigos y conocidos en un bar. Uno de ellos, se llama Pierre, le presenta a su novia, y más o menos, lo que sigue es lo que le dice:

- Jim, ve a conocer a mi novia. Te presento a Denís. Ella no habla, no contesta, no saluda. No es que sea tonta, le dice, simplemente es que ella es vacía. ¿Lo ves?, toc, toc... le da en la cabeza con los nudillos y suena como al tocar en una puerta. Aquí dentro está el vacío. ¿No es una cosa...?. Una cosa bonita, responde Jim. Sí, un objeto bonito. Es el sexo. El sexo en estado puro. Adiós. Anda, Denís, dile adiós al señor. Señor..., dice Denís. Señorita..., responde Jim.

Se acaba la escena.

Ya ven, la sensibilidad del Sr. Arín Dodó y de J.G. Entonado (www.arintonadodo.com)puede que esté en otro sitio.

Atentamente

J.G. Entonado & Arín Dodó.

The Wild Bunch, Sam Peckinpah, 1969

2010-10-07T07:32:00.000-07:00

OLD BOY, Park Chan-wook, 2003

2010-10-07T07:28:00.000-07:00

La historia de Adèle H. François Truffaut

2010-10-07T00:41:00.000-07:00

Vynil - 1965 - Andy Warhol

2010-09-07T01:39:00.000-07:00

El aventurero de medianoche - 1982

2010-09-07T01:33:00.000-07:00

Decían que "Million Dollar Baby", era una obra maestra. Debe ser que no habían visto ésta. En nuestra opinión, la mejor de Clint sin duda.

Atentamente

Arín Dodó

Faces

2010-08-30T02:55:00.000-07:00

John Cassavetes, 1959.

La caja de pandora

2010-08-30T02:50:00.000-07:00

Georg Wilhelm Pabst, 1929

Gun Crazy

2010-08-30T02:46:00.000-07:00

Joseph H. Lewis, 1950

Delicatessen

2010-08-30T02:41:00.000-07:00

Jean Pierre Jeunet, 1991

Vampyr

2010-08-30T02:40:00.000-07:00

Carl T. Dreyer, 1932

Straw Dogs

2010-08-06T03:30:00.000-07:00

Perros de paja.

Director: Sam Peckimpah.

La soledad del corredor de fondo

2010-08-06T03:21:00.000-07:00

algo de free cinema. De Tony Richardson.

Al final de la Escapada

2010-08-06T03:16:00.000-07:00

Jean Seberg y Jean Paul Belmondo

Fíjense bien en el montaje de esta película.

Detour

2010-08-06T03:01:00.000-07:00

Un cine negro distinto al habitual.

Edgar G. Ulmer es el director.

El caminante y su sombra hablaban de Taxi Driver

2010-06-15T04:42:00.000-07:00

- “La escuela del mejor estilo es la que da con la expresión que enseña a descubrir el estado anímico más deseado por el hombre; aquél en el que se encuentra hondamente emocionado, alegre, lúcido y que ha dominado las pasiones”.

La sombra no salía de su asombro cuando el caminante se dirigió a ella de esta forma.
La sombra, con sus ideas confusas, con su espíritu convulso, comenzó a recordar Taxi Driver, a Martin Scorsese, virgen y salvaje, a Robert De Niro, loco y dominado por sus pasiones delante de un espejo, cargado con un Magnum 44.
Cybill Shepherd, fría y distante, una rubia preciosa, lo odiaba en la superficie, pero lo amaba en sus profundidades… lo respetaba y lo admiraba.
El más vivo retrato de la democracia toleraba y apoyaba hacia sus adentros al fascista y justiciero Travis.

- ¿ Eso mismo es lo que sentimos todos en realidad?, se preguntaba la sombra.

- Las enseñanzas y las convicciones del caminante, ¿están equivocadas?, ¿no son correctas?.

- Ninguna de las afirmaciones de la frase del caminante aparecen en la personalidad de Travis ni en la película de Scorsese…¿ Martin Scorsese es un hombre sin estilo?. O ese estilo descarnado y brutal de Taxi Driver, ¿es un estilo sin estilo?.

Atentamente

J.G. Entonado & Arín Dodó

Abre los Ojos

2010-05-18T00:37:00.000-07:00

Creo que la vida es algo así como una película de Amenábar, un laberinto.
Me refiero, por ejemplo, a la connotación de los sueños y a su relación con la realidad. Quiero decir, soñamos con algo que apenas nos paramos a pensar durante el día, y ese sueño puede perseguirnos durante todo el día, o durante semanas que peligrosamente puedan convertirse en años. Y a veces no solemos distinguir los sueños de la realidad, o al menos a mi me ocurre. Podemos morir, desfigurar nuestro alma como Dorian Grey o asumir la propia vida como una derrota, y, en cambio, todo puede cambiar en cualquier momento, como al despertarnos. Podemos vivir en una realidad múltiple y pensar que nuestros propios argumentos pueden rotar lanzándonos al abismo. Y, de repente, despertamos. Despertamos y vemos un cuarto oscuro que igual es como otra dimensión.
Sé que Amenábar con Abre los ojos buscaba crearnos preguntas a base de cruzarnos los colores de los hilos que componían el argumento, mezclarnos las ideas, crearnos preguntas, confundirnos.
Pero no anduvo muy lejos de desenmascarar la realidad.

Estefanía Ramos

Le Beau Serge - Claude Chabrol (1958)

2010-05-07T00:20:00.000-07:00

Al final de la escapada y Los cuatrocientos golpes suelen eclipsar al resto de películas fundacionales de la Nouvelle Vague y, a veces, se olvida la importancia de una película como Le beau Serge de Claude Chabrol. Algo injusto.

Cuando se estrenó Le beau Serge en 1958, antes de que los primeros largometrajes de Godard y Truffaut se proyectasen por primera vez, la revista Cahiers du Cinéma ya parecía haber sentado las bases teóricas de uno de los movimientos más importantes en la historia del cine europeo. La importancia de Le beau Serge reside, precisamente, en su carácter fundacional al llevar a las pantallas lo teorizado en la revista francesa y, al margen de su relación con cualquier corriente cinematográfica, en su propia calidad.

La historia de Le beau Serge es de apariencia sencilla: François -Jean-Claude Brialy- regresa a su pueblo natal tras varios años en la ciudad con la intención de recuperarse definitivamente de una afección pulmonar. Sin embargo, pronto se dará cuenta de que la vida en el pueblo -Sardent en la realidad, situado en el centro de Francia- poco tiene que ver con lo que él recuerda. Serge -Gérard Blain-, uno de los mejores amigos de la infancia de François, parece ser un personaje completamente distinto. Desde el primer momento en que el espectador ve a un Serge totalmente ebrio e incapaz de reconocer a su amigo, la sensación de pesadumbre que parece rodear a la vida de Serge se hace latente. Poco a poco, se van introduciendo los hechos que han marcado la vida de Serge durante la ausencia de François.

La vida en el pueblo es monótona y triste. Cualquier ambición parece inalcanzable. François tuvo la suerte de poder ir a la ciudad, pero Serge no. El bello Sergio se quedó en su pueblo y el embarazo de Yvonne -Michele Meritz- le obligó a casarse con ella. La desgracia llegó de manera irremediable con la muerte de su hijo, mongólico, al poco tiempo de nacer. La vida de Serge se convirtió entonces en algo intrascendente.

Cuando François regresa, lo único a lo que Serge se dedica es a emborracharse con uno de los viejos del pueblo, Glomaud -Edmond Beauchamp-. Su relación con Yvonne no parece estar marcada por el cariño tampoco. Solamente la seducción de la Lolita del pueblo, Marie -Bernardette Lafont-, supuesta hija de Glomaud y que acabará encandilando a François también, parece sirverle de distracción. Ni siquiera el nuevo hijo que espera le sirve de esperanza, ante el temor de que vuelva a nacer con problemas.

El panorama con el que se encuentra François es, por lo tanto, desolador y, pronto, se dispondrá a cambiarlo. Sin embargo, el rechazo del pueblo será general. Serge parece completamente resignado y a pesar de las conversaciones que mantiene con François, le resulta imposible encontrar sentido alguno a su vida. François cada vez se siente más aislado en su regreso pero, a diferencia de Serge, no se resigna. Finalmente, el nuevo hijo de Serge nace y el papel de François es clave. Durante el parto, Yvonne se encuentra sola. Ni el médico ni un Serge borracho se preocupan por ella. En mitad de la noche, François sale a buscarlos y en la escena final pronuncia unas palabras clave, “He creído,” mientras Serge, por fin, esboza una sonrisa de verdadera felicidad.

Le beau Serge es, así, una película real. Claude Chabrol no utiliza ningún elemento artificial. Muestra la vida del pueblo como es: el aburrimiento de Serge; la locura de Glomaud que no puede reprimir sus instintos sexuales y viola a Marie, su supuesta hija; el miedo de la mujer de Serge, Yvonne; etc. Aún así, también hay espacio para la belleza: la pierna desnuda de Marie, la melancolía general que impregna varias escenas de la película, las constantes escenas exteriores del pueblo o la sonrisa final de Serge.

El debut cinematográfico de Chabrol no posee el encanto parisino de Al final de la escapada ni dio lugar al personaje histórico de Antoine Doinel, pero es un film imprescindible que impregna de realidad la pantalla. Indispensable si uno ama a la Nouvelle Vague.

I am in love with Jean Seberg

MSP

Extraños en el paraíso - Jim Jarmusch (1984)

2010-05-07T00:10:00.000-07:00

Si se observa la vida de una persona y no ocurre aparentemente nada, ¿se puede encontrar algún tipo de placer? Cuando uno ve la película de Jim Jarmusch, Extraños en el paraíso, inmediatamente, se hace esa pregunta. Extraños en el paraíso es especial porque resulta interesante sin que en la película ocurra algo realmente llamativo a primera vista. Los dos personajes masculinos, Willie y Eddie -John Lurie y Richard Edson respectivamente- no son ni guapos ni inteligentes. Más bien son todo lo contrario. No tienen ningún tipo de trabajo en particular y sus únicos entretenimientos son apostar en las carreras de caballos e ingerir comida basura. Willie y Eddie no son héroes: son personajes muy sencillos que deambulan sin ninguna meta fija vestidos como Belmondo en Al final de la escapada. Su vida es completamente gris.

El tercer personaje principal es Eva -Estzer Balint- una joven húngara, prima de Willie. Eva vuela a Nueva York con la esperanza de encontrar un nuevo mundo pero su viaje, como una de las primera escenas de la película en la que camina por los tristes suburbios neoyoquinos, resulta ser una tremenda ironía: el sueño americano es una falsa ilusión. Los EEUU son el lugar donde los sueños se hacen realidad, pero lo único que encuentra es la monótona y aburrida vida de su primo, que hace tiempo que olvidó su pasado europeo, y a su amigo Eddie.

MSP

Comentario de Begoña Montes Zofío sobre Paulino Viota y sus CONTACTOS

2010-03-30T19:07:00.000-07:00

Éste es el comentario (siempre enriquecedor) de Begoña Montes acerca del texto escrito sobre Paulino Viota el mes pasado:

Entiendo lo que dices sobre la película que describes, CONTACTOS, y la fluidez del espíritu del director; hacer lo que realmente sientes que quieres hacer, eso es lo que he entendido al menos. Cuanto más libres somos más auténtico es lo que hacemos, pero nuestros mayores condicionantes son internos, los miedos (al ridículo, a no gustar, a la crítica, al fracaso, al éxito, a la comparación, a la envidia,...) aunque no hay que ignorar los condicionantes externos, como dices, económicos y sociales, que cuando uno los tiene resueltos gana en libertad. Creo que con todo esto me he ido del tema.

Me ha encantado el libro-poema de Bukowsky, no lo conocía, y llevo varios días dándole vueltas al verso, me viene a la cabeza, tiene vida propia, "la esencia". En realidad he hablado antes sobre la libertad porque creo que es básica para la autenticidad y creo que ambas son parte de la esencia, de la creación, del propio ir con uno mismo, con una misma, poniendo luz en las emociones, viendo lo que pasa por dentro, sin censura, o con la mínima posible, y dejando que todo este proceso encuentre su camino de salida. Creo que ese camino de salida es la forma, todo tiene una forma, aunque Bukowsky (y tú tb) se refiera a la forma como prioridad. Es la eterna pregunta que los poetas tenemos siempre entre manos ¿qué es más importante, el continente o el contenido? ¿forma o fondo? ¿estructura o esencia?

No sé si me he explicado. Gracias por tus reflexiones y tu mirada.

Begoña Montes Zofío

Jack Kerouac, Ed Wood e Iván Zulueta

2010-03-25T02:37:00.000-07:00

Estas tres personas son algunas de las que me han influido y me han ayudado a desarrollar una concepción clara de lo que es para mi la música, el cine, la literatura…el arte en general. Y también a no dejarme pisotear por otros que tienen “el dogma escrito en la frente” y piensan que sólo hay un camino para entender y disfrutar de todo esto.

Kerouac decía que “Hay una sugerencia de liberación de toda categoría rígida, de libertad total. Se aspira a lograr la espontaneidad absoluta, que no sólo es típica del jazz sino que también responde al deseo budista de liberar al ser del razonamiento analítico.”

Ed Wood está catalogado como el peor director de la historia del cine. Vean “Glen or Glenda”. Al ver esa película me impresionó el desparpajo que tiene al presentar a un hombre heterosexual, enamorado de una mujer, pero al que le gusta vestirse con ropa femenina. Es una película muy atrevida para su momento (es de 1952, en plena Caza de Brujas del senador mccarthy), además está hecha con un lenguaje muy personal. Hay secuencias muy eróticas, casi pornográficas, sin que se vea nada, y en un estilo surrealista bien conseguido. No comprendo entonces el título que le han dado.

“Arrebato”, de Iván Zulueta, es una metáfora de lo que puede ser el cine para ese director. Trata de un chico obsesionado con las películas; al final es abducido por una cámara. Creo que para Zulueta el cine se confunde con la vida y tiene capacidad para decidir y mezclarse con la realidad. Ésta es una obra que puede plantear la pregunta (que tantas veces me he hecho y tantas me haré) de cuál es la frontera entre el arte y la vida.

Estos ejemplos, me parece, pueden servir para ilustrar las ideas esenciales de este escrito, que son preguntas que me hago una y otra vez (es un “eterno retorno” el de estas cuestiones): la realidad y el arte pueden tener muchas cosas en común, se confunden muchas veces, ¿dónde está la línea que las separa?; hay que liberarse y despojarse de prejuicios y disfrutar con lo que se ve o se oye, o se lee ( y espero que esto no se interprete como un dogma, no es mi intención); y hay que dejar fluir las emociones y olvidar si hace falta las interpretaciones intelectuales; que muchas veces son un lastre del que es muy difícil deshacerse.

Disfruten pues, ya que la vida es efímera…al igual que el arte que más me gusta.

Atentamente

Arín Dodó

Paulino Viota y sus "Contactos" con Espíritu y sin Forma

2010-02-22T08:30:00.000-08:00

No tenía nada mejor que hacer un viernes por la tarde, excepto echarme una siesta, y decidí pasarme por el Centro de Bellas Artes y conseguir unas entradas para la Mesa Redonda dedicada a un tipo llamado Paulino Viota.

¿Quién será este?, me pregunté.

Pues me llevé una agradable sorpresa al ver a un señor de pinta humilde pero impecable y de gusto exquisito (porque había programado un ciclo de Sam Fuller, John Ford y Jean Renoir, entre otros) que había dirigido hace 40 años una película llamada "Contactos", aparte de otras tres y varios cortos; y que resulta que es uno de los pioneros del cine underground en España. Pero "totalmente underground", como lo presentaron allí, porque estaba no sólo al margen de la industria, también, totalmente aparte y por debajo del régimen político que dominaba entonces. También me impresionó su manera de hablar, sencilla y directa. Es un tipo que sabe un montón de cine, pero no alardea. Más de un pedante debería tomar nota de eso.

Estos días también he tenido la fortuna de ver un documental sobre Bukowsky en el que se decía que había publicado un libro llamado ART, que contenía un solo poema (una palabra en cada página) que dice lo siguiente: "Cuando/ el /Espíritu /se /desvanece, /aparece /la /forma".

!Ya tengo con qué entretener mi lánguida existencia!, pensé;

!Ya puedo pensar sobre algo que no me atormente!,

(así estos momentos al menos no serán tan anodinos como la mayoría de ellos).

Pues bien, Paulino Viota derrocha Espíritu en la película que dirigió con 22 años (Contactos). Está llena de planos informales (coloca a la protagonista a la derecha de la pantalla; solo se le ve el hombro y su brazo, mientras se ve en la parte izquierda las sombras de ella y su amante mientras se besan); la cámara está estática casi siempre haciéndote sentir lo anodina y lo aburrida que es la vida normal que llevamos cada uno (esas son palabras de Paulino).

Él dijo que la película no iba de nada, solo son fragmentos de la vida de los protagonistas unidos totalmente al azar. "La podría haber montado un montador ciego; cortando por donde le pareciese, la película hubiera sido la misma". Es de agradecer ese sentido del humor y esa manera liviana de tratar su trabajo. Los que van con aspecto grave por la vida me aburren.

Hay una escena en la que el protagonista da una vuelta a una manzana de edificios (se supone que hace eso, porque la cámara está fija en el mismo sitio y sólo se ve cuando comienza el paseo y cuando lo acaba); dura dos minutos y treinta y tantos segundos me parece. Eso es lo que dura la toma. Y eso fue todo. Me pareció absurdo, pero me reí como hacía mucho tiempo que no me reía. Me hizo sentir vivo. Podrán pensar que soy tan absurdo como esa situación, pero me encanta.

Me gustan sus comentarios, sus planteamientos; que coinciden con la visión de Bukowsky. En "Contactos" no se atiene a ninguna regla, no hay una forma trillada de plantear la película; Paulino Viota dejó que su Espíritu no se desvaneciera y fue totalmente libre para dirigirla. Liberado de todo condicionante económico y social. Quizá fuera como él señaló, que cuando rodó la película era casi un crío. Quizá se note en la frescura de su planteamiento.

También comentó que estaba muy centrado en las cuestiones técnicas y que la dirección de actores no le preocupaba en ese momento. Eso lo calificó como un error por su parte. No sé. En efecto, los actores eran como autómatas, sin expresividad, todos tenían el mismo registro. Pero quizás eso le ayudase en comunicar la sensación de hastío que hay en la película y en la vida de esos muchachos ahí representados. Quizá el azar objetivo intervino de forma prodigiosa e hizo que se intensificaran aún más esas sensaciones.

!Bien hecho Paulino!. Ha sido un lujo estar presente en la proyección de una película que seguro que hemos visto muy pocos, pero que muy muy pocos de los espectadores. Y ver algo así en el cine, siendo un espectáculo de masas, es un privilegio.

Atentamente:

Arín Dodó

Manos Peligrosas - Sam Fuller

2010-02-16T00:32:00.000-08:00

MANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horasMANOSPELIGROSASsamfullerCBAjueves18febrero22horas.Atentamente:ArínDodó.

Bukowsky

2010-02-10T06:06:00.000-08:00

En el documental de John Dullaghan, Bukowsky – Born into this - sobre este personaje sale el auténtico Charles Bukowsky sin censura de ningún tipo. Podemos disfrutar de su sinceridad y de su presencia. Conmueve y atrae, y mira que es feo ese tipo. Se las da de duro, pero en ocasiones tiene miedo; bebe y escribe, bebe y dice palabrotas; pero también expresa sus temores y sus remordimientos.
Sale con Linda Lee, su compañera en “Shakespeare nunca lo hizo”; un libro suyo que trata sobre un viaje que hizo a Europa para promocionar su poesía.
A Bukowsky no le interesa escribir sobre obras de arte, manifestaciones, museos y sobre las cosas trascendentales que a otros sí. Él prefiere escribir sobre un perro vagabundo que baja por una calle, o sobre los pensamientos que puede tener un delincuente mientras come una hamburguesa.
No deja de ser paradójico que un hombre con un afán autodestructivo como el suyo haya podido orientar y ayudar a reafirmarse a otras personas. Gracias a él hemos aprendido algunos a liberarnos de prejuicios incómodos que impiden disfrutar de cualquier obra artística o de cualquier otro aspecto de la vida.
Me pregunto cuál será la línea que separa el arte y la experiencia vital. Para Charles Bukowsky el arte es algo con estilo y peligroso; por ejemplo, dice, abrir una lata de sardinas puede ser arte.
Siempre tendré presente a ese que llaman Hank. Ese es su nombre para los amigos. Henry Bukowsky es su nombre real, pero para un escritor no suena bien. Charles Bukowsky sí es un nombre de escritor,…eso dice.
También cuenta que no le motivaba para nada la 2ª Guerra Mundial, pero sí que le hubiera gustado ir para matar a unos cuantos. Él se declaraba fascista en esa época, aunque fuera sólo por llevar la contraria.
No, no tenía pelos en la lengua ese tipo, y gente así no suele haber mucha en este mundo tan puritano y tan falso.
Es de agradecer.
Vean este documental y de paso léanse “Lo que más me gusta es rascarme los sobacos”.

Arín Dodó

2001, Odisea en el Espacio

2010-02-10T06:02:00.000-08:00

A la novela le he dado dos interpretaciones.
Primera: la evolución de la especie humana está guiada por una inteligencia superior, ¿extraterrestre?, simbolizada por el monolito. Esta inteligencia le sugiere al mono Moonwatcher que utilice herramientas para dejar de ser herbívoro y convertirse en carnívoro, así le resultará más fácil adaptarse a las condiciones del ambiente y estar mejor preparado para una posible evolución; además esas herramientas (el hueso de otros animales muertos) son un arma poderosa, símbolo de poder. Hasta aquí, esa propuesta me parece correcta. A continuación, el hombre moderno llega al espacio. El monolito le sugiere un nuevo salto en la evolución; éste consiste en la liberación de la materia orgánica (el cuerpo) que nos limita, y convertirnos en pura energía, en sólo inteligencia, un estado máximo evolutivo. ¿Convertirnos en algo así como dioses, en inmortales?. Esto me parece un tanto pretencioso; y además, aburrido. ¿Qué interés podemos tener en convertirnos en dioses y renunciar así a los placeres físicos que nos proporciona el tener un cuerpo?. Las limitaciones que tenemos, ¿no son precisamente un estimulante para que nos sintamos motivados a hacer cosas?.
Segunda interpretación: el máximo grado evolutivo consistiría en la búsqueda del centro del laberinto que llevamos todos dentro; la esencia de la especie humana y la realización de muchos de nuestros anhelos. Esto, al fin y al cabo, ha sido una constante en la historia de la humanidad; ya no me parece pretencioso y entra dentro de nuestra condición.
Bien, ya he dado las dos interpretaciones racionales que tengo de la novela. A partir de ahora me olvido de ellas y me quedo con lo que me hizo sentir la película. A ésta la veo de otra forma. Me parece que Kubrick prefiere las emociones a hacernos razonar. La película tiene momentos que alteran y revuelven el interior, como cuando se oye la música de Richard Strauss con el mono dando golpes con un hueso, o cuando Bowman intenta desconectar a Hal y sólo se oye la respiración del astronauta y al ordenador rogando para que no lo desconecte. Desde mi punto de vista el director apela a nuestros sentidos primarios y deja a un lado el razonamiento intelectual, emitiendo una serie de imágenes visuales y sonoras que nos hacen saltar en el sillón. Me quedo mejor con esta idea, por eso prefiero la película a la novela. No cambio por nada del mundo la emoción que siento al ver al mono golpeando el hueso (mientras la música aturde el cerebro) por el análisis racional de la novela. No tiene ni punto de comparación una cosa con la otra. Por algo las decisiones, dicen, vienen regidas siempre por una emoción.

Sobre "autores" y "artesanos"

2010-02-10T05:52:00.000-08:00

Heleídomuchasvecesquetalocuáldirectoresun“simpleartesano”¿cuáleslalíneaqueseparaaun“autor”deun“artesano”?.EliaKazanyWilliamWyler.DICENDELPRIMEROQUEESUNAUTORAUTÉNTICO,DELSEGUNDO,QUEESUNDIRECTORSINESTILOYohevisto“Untranvíallamadodeseo”y“LaCalumnia”Prefierolasegunda,ladeWyler.MEESTOYACORDANDODELASINTERPRETACIONESDEMARLONBRANDOYVIVIENLEIGHENLAPELÍCULADEKAZAN.Lasdosinterpretacionessonintensasyemotivas;puesbien,BrandoesungenioyLeighnotienemuchotalentoperosímuchavoluntadLaseguridaddelasafirmacionesdealgunosmeabrumaAtentamenteArínDodó.

Cine brasileño - Diván

2010-01-06T13:03:00.000-08:00

El pasado mes de diciembre, dentro de la 2ª edición del Cine Fest Brasil – Madrid, en el Círculo de Bellas Artes, pudimos ver la película “Diván”, una comedia de José Alvarenga Jr. que consigue profundizar en el universo femenino a través de los acontecimientos y acciones desarrolladas.

Sin saber muy bien porqué una mujer de 40 años acude al sicoanalista y ve como van ocurriendo cosas en su mundo aparentemente estable.

El foco de la película está centrado en ella, en sus deseos, inquietudes y necesidades, como si hasta ese momento hubieran estado dormidos y empezaran a despertarse.

También van saliendo otros temas como la importancia de la estética, el hombre como centro de la vida de algunas mujeres y la amistad.

La película enfoca el sicoanálisis con valentía y respeto y sobre todo con mucha naturalidad, sin miedos sociales. Me ha sorprendido esta visión porque en nuestra sociedad actual todavía es un tema tabú y me alegra ver que otros países nos llevan la delantera.

Begoña Montes Zofío

Llamada de socorro

2009-12-31T03:59:00.001-08:00

La otra mañana llovía un montón.

Yo tenía las neuronas como el tiempo, así que decidí salir a dar una vuelta.

Me encontré a mi vecina y me preguntó por Dersu Uzala

(obviamente por si había visto esa película, que ella me la había dejado;

no por el cazador, no tengo el gusto de conocerlo).

Sí, le dije, la he visto ya, está muy bien, pero...

(llegó el momento de enfrentarme con mis fantasmas)

...me parece una película fría. No me emociona y me deja indiferente.

Quizá sea una desgracia, pero es así.

Es posible que sea por haberme criado viendo películas de John Wayne,

Charlton Heston, Steve McQueen...

y mi cultura y mi sensibilidad es distinta a la de Kurosawa, y a la de los rusos.

Tampoco me alteré cuando vi Ordet de Dreyer.

En cambio, soy capaz de tener un nudo en la garganta viendo cantar a

James Stewart al final de Que bello es vivir,

o viendo a E.T. cruzando el cielo en bici con la luna detrás

o escuchando el discurso de Charles Laughton delante del amor de su vida

y antes de ser fusilado en

Esta tierra es mía, de Jean Renoir.

¿Qué pasa? ¿ soy un ñoño y un pelmazo que acabará llorando alguna vez hasta con los programas de prensa rosa?, ¿ un ignorante y un sensiblero?.

No lo sé, pero ahora ya no me importa decirlo... lo importante es disfrutar cada momento.

Lo he intentado muchas veces, pero el cine centroeuropeo no me llega y no me altera las fibras.

Tampoco el oriental.

En cambio, me sigue volviendo loco cuando veo a John Wayne

dar manotazos (porque no da puños)

con la mano abierta en Misión de audaces

(otra vez con Constance Powers, que guapa!!!)

y a Lee Marvin cantando en La leyenda de la ciudad sin nombre.

Pues nada, a ver si me contestan los intelectuales y los que no lo son tanto;

los que distinguen lo sensible de lo sensiblero,

los que tienen las ideas tan claras con sus dogmas y sus creencias firmes,

porque yo no sé que opinar y esa idea me trastorna y me atormenta

hasta el punto de no poder pegar ojo.

Me encuentro perdido y no puedo dormir.

Son las 4 de la mañana y mis neuronas no paran de conectar pensamientos que no debo tener.

Es mejor que los deje fluir tal y como vienen... como decían los budistas.

Me voy a escuchar el Closer de Joy Division,

a ver si con la tristeza congénita de Ian Curtis me entra sueño.

AAAAdiós.

Atentamente

Arín Dodó

John Waters, Divine y Pink Flamingos

2009-12-17T02:56:00.000-08:00

!!! VAYA PUTA MIERDA DE PELÍCULA !!!

Éste es el mejor piropo que John Waters,
el director, desearía oir para calificar este engendro.

El calificativo no se refiere a si es buena o mala película;
simplemente quiere indicar la sensación que causa cuando la estás viendo.

Todo esto me hace recordar los comentarios de mi querido Bukowsky,
referentes a lo que tiene que ser el arte, según su punto de vista,
que coincide con uno de los más genuinos pensamientos arindododianos.

El arte debe ser arriesgado,
peligroso
y debe remover los sentidos primarios del receptor.

Debe hacer reir, llorar,
emocionar,
repeler,
hacer sentir ganas de comer,
beber,
cagar o
vomitar.

Esto es precisamente lo que consigue John Waters en Pink Flamingos.

Es una película repulsiva y vomitiva; irreverente y premeditadamente guarra.

Así que, señores,
la polémica sobre la vulnerabilidad del número áureo y los cánones
establecidos de belleza en el arte está plenamente servida.

El arte, ¿tiene límites?, ¿tiene reglas?. Es más; el arte, ¿existe?.

A mi no me lo pregunten, porque no tengo ni idea...además, me importa un carajo.

Atentamente: Arín Dodó

Pink Flamingos - John Waters

2009-12-10T06:59:00.000-08:00

Art is filth. Wild, unqualified, great art that is. This is the metaphor at the heart of Pope of Trash John Waters´riotous exercise in bad taste Pink Flamingos.
In the 1972 experimental film, Waters´muse Divine – played by the late Harris Glenn Milstead - is "the filthiest person alive". She has being filthy down to a fine art. Connie (Mink Stole) and Raymond Marble (David Lochary) – the bourgeous pretenders to her throne – pale in comparison.
Divine has gone to ground following a tabloid scandal when we first meet her, and is going be the name of Babs Johnson. She is living in a caravan with her son Crackers (Danny Mills), who indulges in three-ways with chickens, Cotton (Mary Vivian Pearce), who likes to watch, and Edie (Edith Massey), who spends her days in a children´s play pen fantasising about eggs; she likes them sunny-side up.
Like Hannibal Lecter when we first encounter him, composed and quiet in his glass cell, Divine appears harmless, almost pleasant at the outset. But as she drives to town her true colours start to flare. She runs a jogger off the road and taunts a hitchhiker whilst laughing uproariously. She´s making the trip because she wants to fall in love. "I haven´t fallen in love for three whole days," she sighs. So her first stop, naturally, is the butchers. She buys a beef-steak and slides it between her legs to the strains of Frankie Lymon singing I´m Not a Juvenile Delinquent. Lymon segues into Little Richard´s version of The Girl Can´t Help It. Divine struts round Baltimore, everyone rubber-necking her as she passes. "If she smile, the beefsteak get well done," Little Richard squawks. Before long Divine is butchering and eating policemen, licking furniture and fellating her son, proving to all the nay-sayers in the audience that she is indeed the filthiest person alive.
Among the nay-sayers are the Marbles, two "jealous perverts" who are plotting her downfall. "We won´t be upstaged by that fat hog!" Connie cries. "We far surpass her in every aspect of the term filth!"
But Connie and Raymond are not filthy. Yes, they keep two girls chained up in their basement. Yes, their "rather fertile" servant Channing impregnates them and the Marbles sell the babies to lesbian couples. Yes, if a girl dies in childbirth they kidnap another. But this does not a filthy person make.
They are middle-class, capitalist pigs. "How disgusting!" Divine declares when she sees that they have central heating. Divine, with the help of son Crackers, then curses their bourgeous furniture with her saliva and thus ensures that the house and its contents now recognize true filth and duly reject the charlatan Marbles.
Connie and Raymond Marble´s designs on the crown of filth are doomed to failure. When they send their nemesis a bowel movement for her birthday, they think they´ve done good. But Divine is in a league of her own, and effortlessly out-filthies them in the film´s notorious final scene. The Marbles are not creative, bohemian, artistic, ie: filthy. They are assholes. When Connie gently breaks the news to Miss Sandy Sandstone that she has not got the job of spying on Divine for them, she says: "I guess there´s just two kinds of people Miss Sandstone. My kind of people and assholes. It´s rather obvious which category you fall into Miss Sandstone. Have a nice day." But it is Connie, along with husband Raymond who will eventually be convicted of assholism by Divine´s kangaroo court, while Divine and her entourage don hot pink Elvis Sideburns and head for Boise, Idaho, a place where the streets will be paved with filth.

Stephen Lucas

Sam Fuller, sus secuaces y Shock Corridor

2009-12-09T07:21:00.000-08:00

Él siempre está con un cigarro puro en la boca.

Es capaz de llevar a Lee Marvin a la Segunda Guerra Mundial.

A Richard Widmark a un laberinto de espías anticomunistas.

Hace que Peter Breck se deje violar por una pandilla de vampiras ninfómanas...

... y que coma y coma y coma y coma y coma chicle sin parar...

( le dicen que es para que se cansen sus músculos maxilares,
y como reflejo, se canse el resto de su cuerpo,
y así, poder dormir tranquilo en el manicomio)

...al lado de un loco "loco" por la ópera.

Sin duda, el personaje de Johnny Barret es un imbécil.

Deja tirada nada menos que a Constance Towers porque quiere ganar un premio Pulitzer.
Decididamente Johnny Barret es un idiota.

Y la película una locura.

Con un negro del Ku Klux Klan y el resto de actores que dejan sacar lo más psicótico de ellos mismos.

El único consuelo que me queda es que todo esto lo ha hecho el Gran Samuel Fuller.

Atentamente: Arín Dodó

El enigma de Gaspar Hauser

2009-11-26T11:47:00.000-08:00

En esta película de Werner Herzog aparece, entre otros, un personaje bastante peculiar, un aristócrata inglés. Quiere adoptar a Hauser y cuando descubre que Gaspar tiene una personalidad propia y no la que él quiere que tenga (como si fuera un espectáculo de feria) dice: "ésta ocupación carece de toda elegancia espiritual". Resulta que Gaspar estaba en ese momento haciendo punto. Parece que es la personalidad típica de un snob condicionado totalmente por las convenciones culturales y sociales, ¿no?. Está obligado a seguir unas reglas y unos dogmas previamente establecidos para sentirse admirado y aceptado por todos sus semejantes. Gaspar Hauser es la antítesis de todo eso. Hace lo que le pide el cuerpo en cada momento, es sensible; le gusta la poesía, leer, escribir, la música...hacer punto; y lo hace simplemente para disfrutar, sin ninguna otra meta. Es un hombre incomprendido por la mayoría de los demás precisamente por eso, por tener un criterio propio y libre de prejuicios.

El escriba, funcionario corriente con poca iniciativa, va redactando actas durante sus apariciones en la película, repitiendo continuamente la frase final de lo que le van dictando. La historia acaba con la muerte de Hauser y con la autopsia de su cuerpo. El secretario se va feliz porque ha conseguido hacer el acta perfecta al pensar que la extrañeza de carácter de Hauser se ha explicado al descubrir en la autopsia que su cerebelo tiene unas dimensiones anormales, o al menos atípicas. Al encontrar una justificación a las "rarezas" de Hauser, ¿pierden el temor a lo que no pueden entender?. Sus conciencias quedan tranquilas al ver que el comportamiento especial de Hauser es debido a una disfunción física.

Es más de lo mismo, remar contra corriente tiene su precio. ¿Aquí matan a Gaspar por miedo a lo desconocido, a lo extraño, a lo distinto?.

Atentamente: Arín Dodó

Harold y Maude

2009-11-24T06:55:00.000-08:00

Ella, Maude, es una anciana de 79 años que dice que la edad perfecta para morir es a los 80 años.

Él, Harold, es un chico de 18 años aproximadamente, tímido, reservado, rico, mimado y obsesionado con la muerte. Simula suicidios para llamar la atención de su madre ( que es una señora pija que sólo se preocupa por su aspecto y las apariencias) y para reafirmarse como persona, supongo.

Harold y Maude es una película de Mil Novecientos Setenta y... 1972 0 1973, creo, pero no estoy seguro. Cuenta la relación, incluso sexual, entre estas dos personas ajenas a la corriente principal y que tienen como entretenimiento el asistir a entierros; de hecho, en uno de ellos se conocen.

Pone patas arriba todo lo establecido, por ejemplo, en las escenas donde aparecen un cura y un militar hablando sentados en un despacho con las fotos de sus respectivos "jefes" colgada en la pared detrás de ellos. Quizá esto ya esté muy visto a estas alturas (en estos tiempos), pero merece la pena verlo y oirlo, por lo menos para captar la sutilidad del mensaje, cosa que muchas veces brilla por su ausencia en la obra de muchos artistas de hoy en día.
También es la "leche" la escena de cuando Harold se quema a lo bonzo...

Para mí es una bomba de relojería en la base del sistema capitalista y conformista que impera por todos lados ( incluso en Oriente, que al parecer ya no es lo que era).

P.D: este último comentario me ha recordado a " El Guardián en el Centeno", mi libro favorito, de J.D. Salinger.

Atentamente: Arín Dodó

Ed Wood

2009-11-17T07:38:00.000-08:00

No se pierdan "Night of the Ghouls". Es una de las películas de Ed Wood, tachado como el peor director de la historia del cine. Posiblemente de los 50 minutos de película, 40 de ellos pueden ser para olvidarse...pero hay 10 minutos aproximadamente ( una sesión de espiritismo) que no tiene desperdicio. Es delirante y hace pensar sobre las películas llamadas "malas". Al menos, películas como éstas no te dejan indiferente. Prefiero estas ridiculeces, que quizá, por momentos, roza lo sublime, a aburrirme como una ostra con películas tecnicamente impecables y totalmente anodinas. "Night of the Ghouls" no es ni impecable ( ni falta que hace) y por supuesto, no es anodina. Es una película con estilo propio y hecha con originalidad, desde mi punto de vista. Me he reído como en pocas ocasiones con esta película de miedo. Me encanta Ed Wood.

Atentamente: Arín Dodó.

Control

2009-11-16T19:54:00.000-08:00

Control es una película que es un lujo verla en estos tiempos. En blanco y negro y la música de mi grupo favorito, Joy Division. Con Atmosphere y el humo que sale de la chimenea entras en la nostalgia, con Transmission gozas viendo a Ian Curtis tal y como era. Y el trozo de No love lost me hizo levantar de la silla. Si nunca ha sido capaz de apreciar a Joy Division, quizá con esta película aprenda a valorarlos y disfrutar con ellos.

Atentamente: Arín Dodó

Eraserhead (Cabeza Borradora)

2009-11-16T19:48:00.000-08:00

Si no han visto Eraserhead (Cabeza Borradora) de David Lynch todavía no han descubierto el lado más oculto que llevamos dentro y las sensaciones e imágenes inexplicables que nos pueden salir en un momento de locura creativa. Véanla cuanto antes y pasen un "mal" rato.

Atentamente: Arín Dodó.